Kimi no na wa

Kimi no na wa es una película de animación japonesa estrenada en 2016; escrita y dirigida por Makoto Shinkai, animada por CoMix Wave Films y distribuida por Tōhō.​ La película está inspirada en la novela del mismo nombre escrita por Shinkai que fue publicada el 18 de junio de 2016.3​ Masayoshi Tanaka es el diseñador de personajes y la banda japonesa Radwimps compuso la música de la película. 

Se estrenó en la convención Anime Expo 2016 en Los Ángeles el 3 de julio de 2016 y más tarde se estrenó en Japón el 26 de agosto de 2016. En la Anime Expo 2016 también se anunció que la película había sido licenciada por Funimation.​ Su estreno europeo fue durante el Festival Internacional de Cine de San Sebastián el día 22 de septiembre de 2016.​ Selecta Visión ha adquirido los derechos para distribuirla en España a partir de enero de 2017. KEM Media adquirió los derechos de distribución para América Latina desde agosto del mismo año.

La película trata sobre Mitsuha y Taki, dos jóvenes estudiantes que no se conocen y que tiene vidas muy dispares. Taki vive en el animado Tokio y Mitsuha en un pueblo del Japón rural. Por alguna razón mágica, empiezan a intercambiar sus cuerpos por la noche en sueños, quedando a partir de ese momento unidos por el hilo rojo del destino. En estos sueños Mitsuha aparece en el cuerpo de Taki y viceversa, este extraño fenómeno crea pintorescas, divertidas y absurdas situaciones, que sin duda te hacen escapar más de una sonrisa. Parte del encanto de la película es experienciar los problemas y preocupaciones de los jóvenes personajes en su rutina diaria. A partir de estos sueños, a pesar de que los personajes siguen sin conocerse puesto que nunca pueden coincidir y encontrarse, buscan formas de comunicarse entre ellos dejándose notas, creando un vínculo que sin darse cuenta empezará a transformarse en algo más. 

Fuente: imágenes de Google.

Sin ser experto en el tema, puedo afirmar que el arte y la animación de esta película son espectaculares, cualquier calificativo que le demos no estará a la altura de la belleza visual de Kimi no na wa. El arte por si mismo ya es conmovedor, los detalles, el color, el movimiento,… todo es impresionante.

La banda sonora de la película está a cargo del grupo RADWIMPS, un grupo de rock alternativo japonés. Las canciones rockeras alternadas con baladas modernas realzan el carácter de los personajes y le da al film un contrapunto juvenil, espontáneo y cañero muy interesante.

Taki y Mitsuha son la imagen fiel del típico adolescente japonés, Shinkai ha hecho un gran trabajo en la creación de los protagonistas y de sus relaciones, aunque hubiese estado genial que los mostrase en más profundidad para sentirnos más identificados con ellos. Su forma de ser, la vida que llevan, sus amigos, familia, etc solo se trata muy por encima. Esta falta de profundidad en la exploración de los personajes me hizo pensar qué faltaba algo a la hora de explicar el vínculo y las fuertes emociones que nacen entre ellos, como apenas los conocemos ni sabemos cuáles son sus motivaciones profundas, se hace un poco difícil de imaginar el porqué de esta atracción/ vínculo. Lo que sí que retrata de forma perfecta Shinkai es su crecimiento, la transición de adolescentes a personas adultas, como cambia su relación y la forma con la que se relacionan con su entorno a la vez que van madurando.

Fuente: espaiwabisabi.com

Esta película es una maravilla que se disfruta desde el primer minuto al último. Con una historia emotiva, dulce, aunque con sus momentos de drama y tensión con un toque de fantasía. Cuenta con una ilustración y animación impresionante y un grupo de primera para la banda sonora.

Me gusta también el uso que director hace de los trenes de una manera metafórica, una forma muy bonita de expresar la frugalidad de lo que nos pasa en la vida y como tomar un camino u otro nos marcará el resto de nuestra existencia.

Este film me encandiló también porque parte de la película se ambienta en la prefectura, de Gifu, y este pequeño detalle me encanta, además se puede notar acento y palabras de argot de Gifu durante las conversaciones entre los personajes.

Como comentaba al principio del artículo, Kimi no Na wa es una obra maestra de las que no se ven todos los días.

Pokémon: El poder de todos.

Pokémon: El poder de todos, película conocida en Estados Unidos como Pokémon the Movie: The Power of Us, es la vigesimoprimera película del anime de Pokémon, producida por OLM y Wit Studio. La película cuenta la continuación de la historia alternativa del viaje de Ash iniciada en I Choose You!, siendo su secuela, y es protagonizada por Lugia y Zeraora.

La historia de la película empieza con una nueva aventura de Ash en Ciudad Mistral, lugar donde el viento y la gente son uno. Cada año esta ciudad lleva a cabo un festival en honor a Lugia, el cual se manifestará al final del festival para traerles dicha bendición del viento. A lo largo del festival iremos conociendo a distintos personajes: Rita, una chica que va a capturar su primer Pokémon; Bernardo, un hombre de buen corazón pero que cuenta bastante mentiras; Hugo, un investigador muy tímido; Enriqueta, una abuelita que odia a los pokémon; y Marga, la niña del alcalde de ciudad Mistral, la cual guarda un pequeño secreto. Todos estos personajes se reunirán en el festival y tendrán que colaborar juntos para rescatar a todas las personas de un gran incidente que ha habido durante éste.

Imagen sacada de: mediavida.com

Para empezar debo decir que todo aquel que espere ver la película porque salga Lugia, no la vea. En este caso Lugia toma un rol secundario y el verdadero protagonista no es más ni otro que Zeraora. Sin embargo aunque estos legendarios no tienen nada que ver entre sí, han sabido establecer una conexión entre ambos bastante buena.

Como podéis ver hay un montón de personajes en la serie, y esto es algo bueno y algo malo, ya que todos tienen su historia y razón para existir desarrolladas, lo cual deja a Ash como una especie de protagonista raro ya que sólo aparece en los momentos clave como un entrenador experto que mantiene la calma, sabiendo siempre qué hacer.

Respecto a la historia de los personajes creo que no hay queja y aunque cada uno tiene su spotlight pienso que el ritmo de la película fluye bastante bien y en ningún momento llegas a pensar: "Uf, qué aburrimiento de personaje". La interacción entre ellos también está bien resuelta. Aunque aparecen ciertos villanos característicos de la saga, aquí no hay realmente un antagonista al que vencer, si no que los personajes se reúnen para salvar a la ciudad de un gran desastre.

El diseño de los personajes hecho por Shizue Kaneko es sencillamente precioso, todos encajan con como fluye la película, son fáciles de identificar e incluso los outfits que llevan están perfectamente hechos a medida.

Pese a que en la película aparecen Pokémon de todas las generaciones, es un clarísimo throwback a Johto, apareciendo muchísimos Pokémon de esta región y siendo en mayor parte los protagonistas. Mención especial a Sudowoodo, el cual llega a transmitir bastantes sentimientos a lo largo de la peli. También se ve un pequeño cameo de Pokémon Let's Go con el Pikachu de Ash y el Eevee de Rita.

Imagen sacada de: mediavida.com.

El diseño de la ciudad y del festival está bastante bien, aunque hay ciertas cosas que son bastante comunes y que están pues eso, bien, nada del otro mundo. La animación es genial, muy fluida y muy clara, ver los combates Pokémon es una maravilla.

Me suelo fijar mucho en la música y no he notado ninguna obra maestra, encaja bien con lo que quieren transmitir pero en ningún momento toma un rol importante como lo hacía en "El poder de uno" (2ª película). El sonido de los Pokémon por otra parte, y en especial el de uno de ellos al que todos queremos, está brutal.

El casting en español me parece una maravilla, creo que voces como la de Ash y la del Team Rocket forman parte de nuestras vidas y en general pienso que hacen un trabajo excelente en darle vida a esos personajes.

En general, la película desde luego que no es la película del año ni le daría un 10, pero creo que entretiene bastante y definitivamente merece la pena verla.

Le doy un 8/10 basando mi nota en comparación a otras películas de la franquicia.

Sword Art Online the movie: Ordinal Scale.

Sword Art Online: Ordinal Scale es una película de anime japonesa, de aventura y fantasía, basada en la serie de novelas ligeras escritas por Reki Kawahara e ilustradas por abec. La película es producida por A-1 Pictures y dirigida por Tomohiko Itō, esta presenta una historia original por Kawahara, diseño de personajes por Shingo Adachi y música por Yuki Kajiura. Fue estrenada en Japón el 18 de febrero de 2017, en México el 4 de marzo de 2017, y en Estados Unidos el 9 de marzo de 2017. 

Nos situamos en 2026, cuando una nueva máquina llamada Augma se desarrolla para competir contra el NerveGear y su sucesor, el Amusphere. Un dispositivo portátil de próxima generación, el Augma no tiene una función de inmersiva completa como sus predecesores. En su lugar, utiliza Realidad Aumentada (AR) para introducir a los jugadores en el juego. Es seguro, fácil de usar y permite que los usuarios jueguen mientras están conscientes, lo que lo convierte en un éxito instantáneo en el mercado. El juego más popular en el sistema es "Ordinal Scale" (OS), un ARMMORPG desarrollado exclusivamente para el Augma. Asuna y la banda ya han estado tocando OS por un tiempo, y pronto Kirito decide unirse a ellos. Sin embargo, están a punto de descubrir que Ordinal Scale no es todo diversión y juegos. Secuela de Sword Art Online II.

Sword Art Online se basa en una premisa muy simple. «Morir en el juego significa la muerte orgánica». Pese a que Reki Kawahara, el autor de la obra original, se atreve a explorarlo en su obra homónima, su adaptación obvia el conflicto moral y psicológico por el romanticismo y la aventura. Ordinal Scale se propone a si misma como su redentora. Por mucho que Sword Art Online diese cierre a Aincrad en el primer arco de su primera temporada, tanto Fairy Dance como Phantom Bullet, Calibur y Mother’s Rosario beben de su influencia directa. Sin embargo es Ordinal Scale —un producto original, lejos de la pluma de Kawahara— la encargada de continuar con el legado que el autor dejó en el piso 75 de Aincrad.

Imagen sacada de: elpalomitrón.com

Ordinal Scale se podría categorizar como una victoria pírrica. La obra presenta un desarrollo de personajes más logrado, con un villano genuino que (por primera vez) lucha por una razón éticamente cuestionable, pero con una base emocional coherente. Y lo más importante de todo, por primera vez no necesita ambientarse en un mundo obligatoriamente fantástico para narrarlo. Ordinal Scale tiene todas las piezas para ser una gran obra. Y, sin embargo, su propio origen se convierte en su propia ancla. Porque Ordinal Scale no es más que Sword Art Online. Una vez más.

El simple hecho que eliminar la premisa de la muerte orgánica trae consigo una naturalidad latente. Sus actores y actrices se mueven en un mundo orgánico, conocido y se permiten una nueva libertad que se atreve a llevar el romanticismo más allá del drama ante la muerte e incluso lo extiende a nuevos personajes. De hecho, parece ser la primera vez que los supervivientes de Sword Art Online tienen un sitio de verdad en el guión. Su historia fluye sin necesidad de caer en los tropos del anime, pero el miedo a lo original hace que el intento caiga en saco roto, dejándonos ver una muestra de lo que podría haber sido. Pero no es.

Imagen sacada de: elpalomitrón.com

Esa recursividad hacia lo vivido en Aincrad que tiene que aparecer siempre para recordarnos que esto es Sword Art Online. La aparición de antiguos jefes finales del juego original en Ordinal Scale cuenta con cierta gracia al despojar a Kirito de sus poderes y convertirlo en un simple humano —teniendo en cuenta que en una supuesta inmersión en RA cuenta con su propio cuerpo. Es el personaje de sus novelas. Una deconstrucción de lo que muestra en su anime. Una persona humana, que tropieza, que cae, que se cansa. Y además con el contrapunto lógico de que el mismo se encuentre cansado de seguir siempre la misma línea. Pero el guión lo fuerza hasta que consigue que Kirito sea Kirito una vez más.

Con todo, y por mucho que no sea todo lo que podría ser, no deja de ser todo lo que es. Aunque no entre en conflictos morales sigue jugando con la idea del miedo a la muerte, con lo que sintieron y sienten los supervivientes del mortal juego. Ordinal Scale no es solo un repaso a toda su obra, sino que consigue reflexionar sobre la misma y plantear un cierre a la misma haciendo uso de todos los recursos que ha construido por el camino.

Incluso así, Ordinal Scale sigue proponiéndose como la versión exponencial de Sword Art Online y si lo consigue en un medio es en su apartado técnico. La obra presume de un nivel de atención y detallismo que ensombrece a todo su historial de adaptaciones. Los juegos de luces y sombras, incluso los de partículas, cuentan con un nivel de realismo y dinamismo que se superpone a unas escenas repletas de acción y que consiguen moverse con la mayor sensación de kinestesia posible. Incluso los movimientos más exagerados toman forma en las pautas de A-1 Pictures‎ para ilustrarse, fotograma por fotograma, en nuestras retinas.

Desde las escenas más simples hasta los combates más espectaculares, el trabajo de su estudio es soberbio en cada uno de los más pequeños detalles que nos muestran. A ello se suma el trabajo de la veterana Yuki Kajiura que juega con las composiciones orquestales y vocales para crear una sensación de inmersión completa en cada una de las escenas a las que da forma la obra. Su trabajo excede con creces su partición en el título original con temas como “Delete” o “Longing”, que trabajan sobre los tonos épicos de la fantasía con un añadido dramático y compases variables para ofrecer la mejor experiencia musical de la saga.

En el fondo Ordinal Scale es Sword Art Online una vez más. Los seguidores del título encontrarán en ella su versión exponencial —una que incluso podría firmarse como el triunfal cierre de la misma— mientras que sus detractores posiblemente no encuentren nuevas razones para unirse a su credo. Es difícil no sentir que pierde una gran oportunidad, la de mostrarnos una versión diferente, más madura, menos previsible y con un guión por encima del nivel general de sus adaptaciones.

Como lo mejor podemos decir que:

• La obra ejecuta un intento de atrevimiento con un tono más maduro.
• Técnicamente soberbia, especialmente en el trato a los efectos visuales durante los combates.
• La capacidad de observar más allá de la relación entre los protagonistas.
• Supone un gran cierre para el arco de Aincrad.

Y, por contraste, también podemos decir que:

• Recae en los mismos errores que su obra original.
• Excesivo uso de fanservice argumental para enriquecer un guión que no lo necesita.